Faites de Texture une source préférée sur Google pour nous soutenir
Ajouter Texture à GoogleÀ Middlesbrough, ville marquée par son passé industriel au nord de l’Angleterre, le pavé humide et le ciel bas semblent cette année prolonger naturellement l’esthétique du Middlesbrough Institute of Modern Art (MIMA). Pour sa 42ᵉ édition, le Turner Prize, fondé en 1984 sous l’égide de la Tate, quitte Londres pour s’installer dans cette institution rattachée à l’université de Teesside. Si les éditions précédentes ont parfois pu être critiquées pour leur manque de substance plastique, la sélection 2026 impose une densité rare. Les quatre finalistes — Marguerite Humeau, Tanoa Sasraku, Simeon Barclay et Kira Freije — y déploient des univers d’une gravité assumée, où l’apocalypse écologique, les mécanismes de la cupidité systémique et le deuil social se côtoient dans une mise en scène particulièrement sombre, mais d’une force conceptuelle que le prix n’avait plus atteinte depuis plusieurs années.
Simeon Barclay et le fantôme de la désindustrialisation
L’entrée dans l’exposition s’ouvre sur l’univers de Simeon Barclay, nommé pour sa performance The Ruin (2025). Au MIMA, Barclay transpose cette œuvre parlée en une installation spatiale qui s’approprie l’imaginaire du nord de l’Angleterre. L’espace est structuré par des échafaudages, des néons vacillants et des ballons en chute lente, créant une atmosphère de chantier suspendu ou de fête terminée. Une bande sonore ambiante enveloppe le visiteur tandis que des projections vidéo mêlent des pylônes électriques, l’artiste au volant de sa voiture et des figures de la culture populaire comme David et Victoria Beckham.
L’œuvre de Barclay explore avec une certaine mélancolie l’autoroute M62, ce ruban de bitume qui relie les cités ouvrières, et interroge la mémoire collective d’un territoire en pleine mutation. La présence des Beckham, symboles de l’ascension sociale et du glamour britannique, contraste violemment avec la matérialité brute des structures métalliques, soulignant les tensions entre les aspirations individuelles et la réalité d’un paysage urbain délaissé.
L’humanité vaporeuse de Kira Freije
L’étage supérieur du MIMA est dévolu à Kira Freije, dont l’installation constitue sans doute le cœur émotionnel de cette édition. L’espace est plongé dans une brume artificielle, une nécessité technique pour protéger les œuvres plus fragiles des autres salles, mais qui sert admirablement le propos artistique. Freije propose un environnement immersif peuplé de figures hybrides grandeur nature. Ces statues, dont le nombre oscille entre vingt selon les documents institutionnels et trente-trois selon certains observateurs sur place, sont constituées d’armatures en bandes d’acier soudées.
Les visages, les mains et les pieds de ces silhouettes sont moulés en aluminium ou en pierre, conférant à ces apparitions une présence quasi spectrale. Entre détresse manifeste et gestes de tendresse inattendus, ces figures incarnent une forme d’angoisse contemporaine. La disposition de ces corps métalliques dans le brouillard crée une déambulation silencieuse où le visiteur devient l’un des acteurs de ce chœur figé. Cette proposition, issue de son exposition Unspeak the Chorus, place Freije comme une candidate particulièrement remarquée pour cette édition, tant par la maîtrise technique de sa sculpture que par la charge poétique de son agencement.
Marguerite Humeau : l’ingénierie de l’extinction
Plus loin, Marguerite Humeau déploie Torches, un projet déjà présenté au Danemark et en Finlande. L’œuvre centrale, Echo, A Matriarch Engineered To Die, illustre la fascination de l’artiste pour les mondes post-humains et les temps géologiques. Humeau compose ses sculptures à partir d’un inventaire de matières qui tient autant de l’alchimie que de la biologie : cire d’abeille, venin de guêpe, bronze, marbre, noyer centenaire, mais aussi une levure vieille de 4 500 ans et des cultures de champignons de termites.
Ces formes biomorphiques interrogent notre rapport à la finitude et à l’extinction. Malgré l’étroitesse relative de l’espace qui lui est alloué au sein du MIMA, l’installation parvient à instaurer un dialogue troublant entre l’organique et le minéral. Humeau ne se contente pas de représenter la nature ; elle utilise ses composants mêmes pour spéculer sur ce qui subsistera après nous. C’est une œuvre de chercheuse, complexe et froide, qui exige une attention particulière pour en saisir les ramifications métaphysiques.
Tanoa Sasraku et la géopolitique du brut
Tanoa Sasraku clôt ce parcours avec Morale Patch, une installation qui s’attaque de front à l’extractivisme. L’expérience est d’abord olfactive : un sol en caoutchouc dégage une odeur de pétrole entêtante, ancrant immédiatement le propos dans une réalité industrielle pesante. L’artiste combine des œuvres sur papier, imprégnées de symboles militaires, avec une série d’objets intitulée Watchlist (2025).
Il s’agit de presse-papiers d’entreprises pétrolières dans lesquels sont scellées des gouttes de pétrole brut. Ces reliques de la cupidité énergétique, présentées comme des trophées de bureau, dénoncent la déshumanisation des ressources naturelles et leur transformation en purs instruments de pouvoir. L’installation de Sasraku est une critique frontale de la géopolitique du pétrole, portée par une esthétique rigoureuse qui transforme le matériau brut en un avertissement politique.
Un prix sous le signe de la rigueur
L’exposition, dont le commissariat est assuré par la Dre Claire Louise Staunton et Helen Welford, ne cache pas les défis logistiques posés par le bâtiment du MIMA. La circulation sonore entre les différents espaces ouverts et la nécessité d’isoler l’étage de Kira Freije témoignent des contraintes d’une présentation de cette envergure hors des structures londoniennes classiques. Pourtant, ces frictions spatiales semblent servir le propos global : une forme de résistance du réel face à l’institution.
Le jury de cette année, présidé par Alex Farquharson (directeur de la Tate Britain) et composé de Sarah Allen, Joe Hill, Sook-Kyung Lee et Alona Pardo, devra trancher le 10 décembre 2026 lors d’une cérémonie organisée à Middlesbrough. Le vainqueur recevra une dotation de 25 000 £, tandis que les trois autres finalistes se verront attribuer 10 000 £ chacun, pour un montant global de récompenses s’élevant à 55 000 £.
En attendant le verdict, l’exposition reste accessible gratuitement au public jusqu’au 29 mars 2027. Elle offre le portrait d’une création contemporaine qui, loin de se détourner des crises actuelles, choisit de les affronter avec une exigence plastique remarquable. À Middlesbrough, l’art ne cherche pas à consoler, mais à matérialiser les tensions d’un monde en suspens.