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Ajouter Texture à GoogleL’œil contemporain s’est largement habitué à consommer le design sous la forme d’images lisses, rétroéclairées par des écrans où la matière finit par se dissoudre dans le pixel. Depuis une quinzaine d’années, les créations de Sabine Marcelis circulent massivement sur ces interfaces numériques mondialisées, captant le regard par leur perfection formelle et leurs reflets calculés. Pourtant, réduire son travail à cette planéité virtuelle constitue un contresens. Pour saisir la nature profondément physique, technique et presque charnelle de ses pièces, il manquait une confrontation directe avec l’espace. C’est précisément ce basculement vers le tangible qu’organise le Museum für Gestaltung de Zurich. En investissant le site du Toni-Areal, l’institution suisse orchestre la toute première rétrospective muséale d’envergure consacrée à la créatrice néerlandaise. Plus qu’une simple restitution d’archives, cette exposition pensée par le commissaire Damian Fopp s’attaque à la physicalité brute d’une œuvre trop souvent lissée par sa propre photogénie.
La matière comme point de bascule
Née en 1985, Sabine Marcelis appartient à cette génération de concepteurs qui ont dû naviguer entre l’explosion de la conception assistée par ordinateur et le besoin viscéral d’un retour à la main. Lorsqu’elle obtient son diplôme de la Design Academy d’Eindhoven en 2011, elle fonde immédiatement son propre studio. Le choix de son ancrage géographique n’est pas anecdotique : elle s’installe dans le port de Rotterdam. Ce territoire industriel, âpre et tourné vers la machinerie lourde, offre un contraste saisissant avec la délicatesse optique de ses futures productions. C’est dans cet environnement qu’elle forge une méthode de travail singulière, radicalement éloignée de la théorie pure. Dans sa pratique, la matière n’est jamais une réflexion secondaire appliquée à un dessin préexistant ; elle constitue le point de départ absolu de chaque projet.
La créatrice revendique une approche empirique, presque alchimique. Le travail de l’atelier prime sur les projections numériques. Tester les limites d’une résine, observer la façon dont un pigment réagit à la chaleur ou comment le verre se déforme sous son propre poids sont des étapes qu’aucun logiciel ne peut simuler avec une totale exactitude. C’est cette friction avec la matière têtue qui l’intéresse. Elle assume d’ailleurs une défiance mesurée envers l’écran, préférant le laboratoire, le bruit des machines et la poussière de l’atelier pour déceler ces accidents heureux, ces réactions inattendues qui finissent par définir la ligne d’un objet.
Disséquer le miracle esthétique
L’exposition zurichoise s’empare de cette réalité d’atelier pour la transposer dans l’espace muséal. La scénographie, entièrement conçue par le Studio Sabine Marcelis, prend le parti d’inverser le regard du visiteur. L’objectif n’est pas d’éblouir par le résultat final, mais d’exposer la brutalité et l’exigence du cheminement. La créatrice insiste sur la nécessité de dévoiler les métamorphoses successives que subissent ses matériaux de prédilection. L’exemple de son Candy Cube est à cet égard révélateur. Avant d’atteindre ce stade de perfection géométrique, de translucidité absolue et de douceur tactile, la résine brute traverse une multitude de phases laborieuses. Le coulage, le temps de prise, les ponçages successifs et le polissage final sont autant de gestes invisibles que la rétrospective s’attache à mettre en lumière.
Damian Fopp, en charge du commissariat, abonde dans ce sens. Il perçoit cette monographie comme un manifeste du « faire ». Exposer Sabine Marcelis aujourd’hui, c’est rendre hommage à une maîtrise technique de haut vol, indispensable lorsqu’on manipule des éléments aussi capricieux et exigeants que le verre ou la résine de synthèse. C’est aussi, selon la volonté de la designer elle-même, une façon de replacer l’humain au centre de l’équation, en soulignant l’implication cruciale des nombreux artisans, techniciens et collaborateurs qui gravitent autour de ses projets. L’œuvre n’est pas le fruit d’une génération spontanée, mais la cristallisation d’une intelligence collective et d’un effort manuel intense.
La lumière et la couleur comme outils de construction
Si la matière forme le corps de son travail, la lumière et la couleur en constituent le système nerveux. Sabine Marcelis ne les utilise pas comme des éléments de décor ou des finitions cosmétiques, mais comme des forces actives, capables de modifier la perception d’un volume. Au sein du Toni-Areal, la lumière change continuellement. Les visiteurs sont invités à se déplacer autour des pièces pour comprendre comment une épaisseur de résine retient ou libère les rayons lumineux, comment un miroir savamment incliné déconstruit l’architecture environnante, ou comment une teinte semble gagner en densité selon l’angle d’observation.
Cette approche dynamique a imposé des choix scénographiques radicaux. L’exposition, qui se tiendra du 30 octobre 2026 au 4 avril 2027, tourne délibérément le dos au classement chronologique traditionnel. Les œuvres ne sont pas présentées isolément sur des socles neutres. Elles réclament de l’espace, de l’air et du recul. Elles sont regroupées selon leurs affinités matérielles et les effets visuels qu’elles génèrent, créant des environnements immersifs où les transparences, les jeux chromatiques et les reflets interagissent.
Vers une ergonomie de l’émotion
Ce décloisonnement de l’objet unique vers l’installation spatiale illustre la fluidité avec laquelle le studio opère. En quinze ans de pratique, Sabine Marcelis a navigué avec une aisance remarquable entre différentes échelles. Qu’il s’agisse de concevoir un produit d’édition, de répondre à une commande commerciale, d’imaginer un aménagement intérieur complet ou de signer une installation monumentale, le lexique reste le même. La physique de la lumière obéit aux mêmes lois, qu’elle traverse un petit bloc de résine posé sur une table ou qu’elle inonde une pièce entière.
Au cœur de cette souplesse d’échelle se trouve une réflexion singulière sur la fonction. Marcelis refuse la dichotomie classique entre l’art contemporain qui serait affranchi de toute utilité et le design qui y serait asservi. Pour elle, la fonction dépasse la simple réponse à un besoin mécanique ou domestique. Elle théorise ce qu’elle nomme une « expérience émotionnelle ». Provoquer l’émerveillement, forcer le passant à suspendre sa marche, éveiller la curiosité par une illusion d’optique assumée sont, à ses yeux, des fonctions aussi vitales et légitimes que l’ergonomie physique d’une assise.
Cette posture n’exclut en rien la rigueur. Le contexte, l’identité du lieu d’intervention et les personnes qui vont cohabiter avec le projet demeurent au centre de son équation. Chaque intervention, qu’elle soit sculpturale ou utilitaire, naît d’une lecture attentive de ce qui est nécessaire et approprié pour un espace donné. C’est dans cet équilibre fragile entre la poésie de l’effet optique et la réalité rugueuse de la production que se situe la véritable valeur de l’exposition zurichoise. Une invitation à regarder au-delà du reflet, là où la matière travaille, résiste et finit par s’illuminer.
